导语：用最细腻的镜头和台词扣动观众的心弦

《阿飞正传》是王式美学风格日趋成熟化的开始，而处女作《旺门卡角》，以新奇的视角吸引了大批粉丝，由此王家卫的电影便占据香港电影界的一席之地。

有人评价王家卫导演风格独特，其影片没有鲜明的表达主题，但每部电影都有特定的时代和空间烙印，他所表现的精神世界是一致的，用最美的镜头和最细腻的情感去表现现代人生存中的孤独、无助、平庸等百味感受。 —南方都市报

王家卫的电影取材类型多样化，他不仅拍摄犯罪剧情片、文艺爱情片，还拍摄武侠动作影片和武侠喜剧影片，而且每一部电影都能获得观众的喜爱，取得这样非凡成就的导演显然并不多。仔细分析，不难发现，这些题材不同的影片在表现形式上有共通之处：也就是他善于抓镜头细节，将人物心理活动通过表情、动作展现出来，而且能够收放自如，让观众立刻感到共鸣，或喜或悲，牵扯着每个人敏感而脆弱的神经。

《阿飞正传》无疑不是王家卫众多优秀影作的代表，从此以后他向世人宣告他是个风格成熟、视角独特的导演，这部影片是他电影生涯的重要转折点，同时还引出王家卫式的电影主题，即不同男女关系之间的爱恨纠缠，将人物处于爱情不同阶段的感受淋漓尽致地展现在镜头面前。

阿飞正传宣传海报

《阿飞正传》这部影片，专业影评人认为电影所反映的主题不仅局限于通俗世界中的小情小爱，他想表达男女关系的浪漫、破碎、背叛和绝望，同时为人物活动、行为、性格的塑造设立了一个完整的世界架构，某种意义上，王家卫的电影有着极强的时代感，真实地还原了那个时代背景下香港民众的挣扎、沉浮。

此外，这部影片在叙事手法上依旧是多线交叉，线与线之间转换自然，丝毫不觉得牵强，而且他的影片没有主角和配角之分，每个角色都是影片不可缺少的重要部分。

王家卫

如今有不少导演肯定了王家卫电影"鬼才"般的拍摄风格，认为他的电影独树一帜，仔细品析，倒也能从中获得不少灵感，他用细腻真实的笔触去谱写人物的情绪，把矛盾冲突展开地很有看点。当然也有导演始终不认同他没有剧本和深度的创作手法，但影片在观众面前自然能显现其优劣，由此一些不实言论便不攻自破了。

一、暗绿色调还原时代氛围，灵动配乐衬托角色心境

电影色调的把控受多方面因素的影响，包括人物心理、情节转换、场所变更，以及作为整条电影的隐形线索出现，电影色调牵引着故事的发展走向，映衬着人物活动环境，展现角色真实的内心世界。

《阿飞正传》这部影片从一开始就以暗绿色为主色调，最开始影幕为浅绿色，背景为郁郁葱葱的森林，象征生命力和希望，同时导演在这里埋下线索，无脚鸟儿虽然有着广阔的森林，却没有一处落脚的地方。

紧接着镜头转向阿飞和苏丽珍初次相遇的地方，画面色调依旧是暗绿色，通过眼神对视、言语交流，使得镜头画面融入一种既暧昧又浪漫的气氛。在后面的雨夜镜头里，咪咪迷失在阿飞离开后的巨大痛苦之中，无法自拔，此时的暗绿色调映衬出人物的无奈、挣扎和绝望。

暗绿色的衬托

整个影片主要以暗色调为主，没有过于明亮的色调调换，甚至人物的形象、装扮都是基于这种破碎、疲败的氛围而打造的。如放荡不羁的花心青年阿飞，单纯软弱的打工妹苏丽珍、舞女梁凤英等角色形象。

在人物关系冲击和矛盾升级时，电影色调又能符合人物心理和氛围，真实地还原出上世纪60年代下的香港，人群处于一种焦躁、痛苦和迷茫的情绪中，由此色调映衬与时代特征相得益彰。

配乐在电影中的作用主要有以下几个大方面：推动或配合情节的发展、转换，为人物活动、心理变化创造氛围，以及一定程度上阐释电影主题和拍摄风格。

跳舞的阿飞

电影开头阿飞站在老式穿衣镜前，自如地跳着舞蹈，此时的配乐名字是Maria Bona，来自于美国一支老牌演奏乐队，给人一种诙谐、荒诞的疏离感，原来"深情"的阿飞私底下竟然是如此调皮、搞笑的性格，这就与他后面的背叛、欺骗等行为，形成强烈的反差，营造出一种"人生如戏、戏如人生"的错觉。

当电影中阿飞走林荫大道上，背景音乐选地是Always in my heart，这是一首简单的曲子，在搭配暗绿背景和阿飞的背影时，整个画面是如此的和谐，当时的我们可能无法理解曲中人的心情，但一旦有了生活阅历，便会体会到阿飞孤独、无助的心情。

二、以空间为主线搭建人物活动场所，远近镜头交叉、画面切换得当

空间是最能反映男女关系的衡量尺度，距离可以反映出男女关系发展的程度。

在《阿飞正传》中，阿飞撩妹时，用手表吸引苏丽珍的注意，将两人的关系迅速拉近。而在与梁凤英的结识中，虽然是通过一只耳环接近的，但阿飞清楚梁凤英的心理活动，当两人步入同一空间时，在嬉戏打闹间完成了身体的亲密触碰，阿飞轻轻地捏着梁凤英高挺的鼻梁，像是征服猎物一般地将其"捕获"到手。

当苏丽珍第二次上门想挽回破碎的感情时，她和阿飞站在垂直的墙角处，此处导演采用空间线条交叉、垂直的建筑美学理念，暗示阿飞与苏丽珍之间爱而不可得，即使靠得再近也无法接近内心的恋爱。

当苏丽珍多次"故地"重回，站在阿飞楼下却没有勇气迈出去时，巡警超仔的出现给了她倾诉的窗口，两人在垂直的平面处相遇，苏丽珍失恋痛苦，靠着高墙前后踱步，以及后来她坐在高处，与超仔谈那些故事时，都是导演用空间的理念来阐释角色之间复杂、迷惑的关系。

苏丽珍与阿飞

远近镜头的使用前提是要分辨出当时的氛围和画面内容，远镜头展现开阔的视野，为人物活动场所营造时间、环境、规模和气氛等必要条件。远镜头不注重人物动作、表情等细节描写，却能够依据环境的变化来反衬人物可能会有的心理状态和心理变化。近镜头放大人物面部表情，属于某一角色的面部特写，这是最能考验演员表演能力的镜头。

在《阿飞正传》中，阿飞的特写镜头最多，他带苏丽珍回家后，两人有了亲密接触，此时女孩心想两人的关系发展到这种程度，自然是无拘无束，她用纤细的手指去抚摸阿飞的嘴唇、脸庞，有意无意地暗示着两人的关系走向。

此时导演给阿飞特写镜头，却没有给苏丽珍近镜头，可能原因在于观众更想看到的是阿飞的反应，他对女友提出结婚时的麻木、面无表情，进一步激化角色矛盾，引发观众对阿飞行为的思考。

当苏丽珍气愤离开后，镜头进一步切换至阿飞的养母醉倒在卫生间的场景，他一把拖起养母，把她扔到床上，又叫来保姆去准备醒酒茶，这一连贯的动作，似乎已经暗示了阿飞出现怪异行为的背后原因。

三、台词设计耐人寻味，实力派演员完美诠释角色

除了人物的形象和动作描写外，台词设计也能直观地展现角色性格、心理状态。

《阿飞正传》中的台词设计地恰到好处，阿飞的形象是一个外表帅气但内心孤独的男人，他因为被生母遗弃而痛恨女人，正如他在影片中倾诉时说的内容，他不知道一辈子有多长，长到他对过去都没了记忆，他也不知道自己会爱多少女人。

与苏丽珍相遇时，熟知女人心理的阿飞，走浪漫路线，有意无意地言语攀谈，俏皮、富有深意的台词对白，阿飞说："你有没有梦到过我？哦，那是你没睡过。你的耳朵怎么那么红啊？没有，我只是想跟你交个朋友，你看表，因为这一秒我会记住你，我们是一秒钟的朋友"等等，后来她们果真由一秒钟的朋友变成一分钟、一小时的朋友。但两人的关系会如此发展下去吗？在两人对白中，观众清楚这是不可能的，阿珍问阿飞他们认识多久，阿飞装聋作哑似地表示不知道，当提及结婚时，他果断地拒绝了阿珍。

阿飞撩苏丽珍的台词

台词对白设计同样是与角色性格贴合的，苏丽珍性格温柔，表达爱意时是小心翼翼地试探，而梁凤英表达爱意时，更直接、大胆，她虽然吃阿珍的醋，却不愿意离开阿飞，从始至终一直黏着他，在阿飞面前她愿意拔掉身上的刺。此外，阿珍和她在后面一次冲突对白时，台词设计也耐人寻味，阿珍无奈地说道："现在哭的是你，我已经没事了"，此处暗示爱与恨都会随时时间被冲淡，关键在于故事中的人愿不愿意去忘记。

苏丽珍的台词

结语：在迷失中寻找爱与自我，阿飞是很多人的"影子"

《阿飞正传》的拍摄是成功的，即便也有人质疑电影本身的主题和表现力，对于小情小爱的描述虽然没有波澜壮阔般的场面、没有家国情仇般的爱恨纠葛，但观众能从细微之处感受到角色内心的绝望，在颓败、迷茫的世界上四处游荡，何处是落脚的地方呢？

王家卫的电影到底是什么风格？

1994年上映的《重庆森林》是王家卫电影的代表作，影片充分表达王家卫风格的独特性，今天我就通过这部电影来解读“王家卫式”电影美学的独特魅力。

王家卫是香港电影圈旗帜式的人物，以独特的影像风格传达着香港这个繁华都市的喧嚣与孤独。极端风格化的视觉影像、富有后现代意味的表述方式和对都市人群内心的敏锐把握建构出独特的“王家卫式”的电影美学。情爱是王家卫故事的载体，是他的电影里人物生活的重要内容。他所导演的《重庆森林》就是把两个不相干的爱情故事串联在一起，两个故事牵连四个人物，分别讲述他们之间的相遇、错过。

《重庆森林》这部影片讲述了林青霞饰演的神秘金发女子利用几个印度人运毒，印度人逃跑，她杀了这班印度人后逃走。一天夜里她遇上了失恋的警察阿武（金城武饰），两人相处一晚，早上阿武收到了金发女子的生日祝福。第二天，人们发现金发女子被人打死在楼里。

王家卫的电影风格是什么？

二十世纪最后二十年的华语电影圈为世界影坛贡献了众多出色的作品与导演，而王家卫无疑是其中最值得关注的电影作者之一。他迄今为止的六部作品已经凭借着其极端风格化的视觉影像、富有后现代意味的表述方式和对都市人群精神气质的敏锐把握成功地建构了一种独特的“王家卫式”的电影美学。
王家卫1958年出生在上海，五岁时随家人移居香港。早年在香港工艺美术学校学习平面设计时他疯狂地迷上了摄影，特别是Robert Frank、Henri Cartier-Bresson和Richard Avedon这些大师的作品对他的影响尤为深刻。1980年从学校毕业后，他进入香港无线电视开办的电视制作培训班学习剧本写作和影视制作，后在一系列无线的电视剧集中担任制作助理和编剧。1982年，王家卫离开无线正式进入电影圈，他先做了近五年的电影编剧。1987年，王家卫为香港新浪潮电影的主将谭家明编写系列影片“黑帮三部曲”的剧本，结果谭家明只采用了其中的最后一部拍成了《最后胜利》，而其中的第一部就成了1988年王家卫的首部导演作品《旺角卡门》的剧本。从1991年的《阿飞正传》到1995年的《堕落天使》，不断涌现的出色作品完成了王家卫对自我艺术风格的建立和巩固。1997年，王家卫终于凭《春光乍洩》一片获得了戛纳电影节的最佳导演奖，得到了国际影坛的肯定。
王家卫电影的独特性首先在于他对自己身处的城市和时代有着非常深入的理解，而且他找到了一种恰如其分的方式去表述自己在这样一个特殊外部环境里的生命体验。他是最敏锐洞悉了现时态香港的艺术家：人流拥挤、华洋杂处的重庆大厦，旺角的高楼分割出的暗蓝色天空，启德机场边可以看见飞机起落的公寓窗口，当然还有路边摊、便利店和幽暗的酒吧，王家卫靠着这些标志性的元素组和出了一个世纪末的香港，最明显的例子是《重庆森林》和《堕落天使》（当然你也可以把《东邪西毒》中那片孤寂冷漠的沙漠看作是寓言化了的现代城市，而且《春光乍洩》里的那种远在异乡的无根飘零的感觉也是对香港这个殖民城市在另一个异域时空里的反照）。王家卫是一个浓厚地背负“都市感受性”的影像表述者，现代城市所拥有的无机性和符号性使他的作品经常是内容隐藏在形式和风格里的，或者说，风格本身有时候就是他的内容。在以往香港新浪潮导演的代表许鞍华、谭家明等人的作品中，你可以轻易地触摸到赖以支撑风格的“生活真实感”，但在王家卫的电影里你看不到这些。
王家卫的影像世界是高度抽象后的真实，这首先表现在他叙事时流露出的独特的时间观。王家卫电影里的场景往往都在线性时间的过去和未来中呈现出一种悬置状态，尽管他不断地用细节去强调时间概念，像《阿飞正传》里那个著名的开场、《重庆森林》里对日期的反复诉说和《东邪西毒》里经常会在事件开头指出节气，但他讲述的这些故事并没有特别的时间背景，它们可能每天都会发生在这个城市的角落里，它们只是从城市生活中抽离出来的标本。如果你仔细看过《重庆森林》，你就会发现两个故事的某些细节其实是互相交错的，王家卫用这种捉迷藏式的游戏来造成一种共时性的效果，既消解了传统叙事的线性时间观念又凸现了当代都市生活的偶然和无序，从而形成了一种存在主义式的精神意蕴。
王家卫电影的“抽象真实”还表现在他偶然性片断式的叙事结构和对流行符码的拼贴借用上。如果你看了王家卫的作品而感动的话，那绝不是由于整体世界的印象所引发的，而是因为细节、片断以及絮语化的主观独白所唤起的气氛能让你产生心领神会的共鸣使然。气氛存在于片断中，或夹杂在片断与片断间的留白里，这很像是后现代美学对宏大叙事的摒弃和对细碎印象的偏好。在王家卫的电影里，你可以发现大量流行文化的符号，诸如流行音乐、商标、卡通玩具等等，包括他非常喜欢使用的人物如警察、杀手、阿飞等其实都是一种都市边缘的亚文化符号，这种由都市提供的消费符码经过王家卫的拼贴变得就像一面镜子，反映出现代社会由具体实像蜕变成的符号化感性，这也使得他的电影极端敏锐，新鲜而发人深省。
当然谈到王家卫的电影，你立刻想到的还会有手提摄影机所拍摄的恍惚眩目的晃动镜头、不规则的画面构图和艳丽但冷漠的色调运用。这种商标式的影像在很大程度上要归功于和他长期合作的美术指导张叔平和摄影杜可风。今天，在很多香港的独立艺术电影甚至有些商业电影中你都可以看到这种王家卫式的影像，但大多数都只有单纯形式的拷贝而缺乏内在的创意。
王家卫的电影有很酷、很炫的形式感，但其实内里充满了感情：像《重庆森林》里对快餐化爱情的反讽、《春光乍洩》里细腻纠缠的感情和《堕落天使》里金城武为父亲做冰激凌的那段戏都让人难忘。他作品中始终贯彻的一个主题就是：人与人之间对某种倾诉和沟通的渴望以及对远比这种渴望更为强烈的个体交流不可能性的无奈。在华语电影圈中还没有人可以像王家卫那样更善于把这一主题表达得如此细腻而传神。
王家卫的电影世界还在发展中，据说他的两部新片《花样年华》和《2046》将会有一个风格上的重大突破，所以在今天对他的成就下定论还为时尚早。英国著名的《声与画》杂志将王家卫选为20世纪90年代最重要的电影革新者，在他的名字前面有50年代的安德列·巴赞和70年代的安迪·沃霍尔，该杂志在对他的评价中说：“王家卫也许不是未来电影的全部，但他确实地指出了未来电影的一个方向。”
导演作品年表：
《旺角卡门》（1987）
《阿飞正传》（1993）
《东邪西毒》（1994）
《重庆森林》（1995）
《堕落天使》（1996）
《春光乍泄》（1997）
《花样年华》（2000）
《二零四六》（2004）
《爱神之手》（2004）
《蓝莓之夜》（2007）